A Night at the Opera

Va, pensiero, sull'ali dorate——“飞吧,思想,乘着金色的翅膀。”朱塞佩•威尔第(Giuseppe Verdi)于1842年创作的《纳布科》歌剧的第三幕合唱,是每个意大利人都熟知的,甚至曾被建议替代国歌《意大利人之歌》。

图/Marco Brescia

歌剧源自意大利,并代表了典型的意大利文化,它以某种方式展现了其民族特色:热情与和谐、激情与优雅、爱与悲剧的迷人组合。 歌剧中的很大一部分专有词汇由意大利词语构成——连“歌剧”这个词也来自意大利语。从咏叹调(aria),一种有乐器伴奏的独唱曲,到特定的歌手音色如女低音或女高音,或是最低或最高的女音——这绝非偶然。

经典戏剧

歌剧诞生于十六世纪末的佛罗伦萨,当时一群音乐家和知识分子决定重新建立古典戏剧中的和谐,创造了朗诵歌唱艺术(recitar cantando),或者说是“歌声中的表演”。他们所写的第一部歌剧是由克劳迪奥•蒙特威尔第(Claudio Monteverdi)创作的《奥菲欧l’Orfeo》,于1607年首演。此后,这一类型的表演成为意大利文化的重要组成部分,它深深地渗透在文化遗产以及普通民众的日常生活中。罗西尼、贝利尼、威尔第和多尼采蒂这些剧作家创作了诸如《塞尔维亚的理发师Il Barbiere di Siviglia》,《诺尔玛Norma》,《茶花女La Traviata》和《爱的甘醇L’Elisir d’amore》等令人难忘的作品。他们是19世纪的主要代表,而在19世纪末20世纪初创作了著名歌剧,如托斯卡(Tosca)和图兰朵(Turandot)的贾科莫•普契尼(Giacomo Puccini)则被认为是最后一位伟大的意大利作曲家。

米兰、罗马、威尼斯和那不勒斯成为意大利歌剧传统的主要中心。今天,宏伟的歌剧院依然以辉煌的成就、伟大的管弦乐队和全球首映式重现着往日的荣耀。一个真正的歌剧爱好者在意大利参观时不应该错过这些华丽的剧院,无论是欣赏一场演出,还是去看看幕后的秘密。

悲伤恋情

尽管歌剧从来没有失去过它的魅力,但如今它已经不再像20世纪以前那样重要,那时,歌剧在意大利文化和流行生活中被认为是精英形式的艺术。然而,情况并非总是如此。 “歌剧曾经在每个社会阶层都非常受欢迎,而最著名的歌手们是真正的明星,有着首席女歌手之间的做派与竞争,比如五十年代的Maria Callas和Renata Tebaldi。”Jacopo G. Serafini告诉《hi欧洲》。

一位撰写歌剧演员传记的作家兼剧作家解释了意大利歌剧的主要特点:“挫败的爱情是歌剧的主题,也是一个主要的共同点。然而,意大利歌剧的组成结构在几个世纪以来都在演变。至少在普契尼和现实主义歌剧传统诞生之前,意大利歌剧的结构以“封闭的片段”为特色。这意味着文本被安排在固定的模块中,对白和歌唱交替进行。在此之后,歌剧转变为一个连续的、更加“接近现实”的叙事结构,只会随着行为的结束而终止。”

图/San Carlo

意大利歌剧的“主角”也在演变。“长期以来,真正的明星是歌手,”Serafini解释说。“人们去歌剧院听卡拉斯(Callas),特帕尔迪(Tebaldi)和帕瓦罗蒂(Pavarotti),并在看完演出之后谈论他们。而现在,主角变成了乐队指挥,如里卡多•穆蒂(Riccardo Muti),他成为演出时绝对的明星。今天,更多的是导演和原创性,有时甚至是古怪的演出,很难再找到新的、有趣的作品。如果你想彻底沉浸在伟大的音乐作品中,那么你还是要在过去伟大的歌剧作品中去寻找。”

最高艺术形式

这就是在Luciano Ganci身上发生的事。作为一个重要的男高音,他在全球包括中国都进行过表演。他自9岁起便开始进行演唱和表演,直至今日。即便他曾经学习并担任工程师工作。他接受了一个同行歌手的建议,自2006年起全身心投入到歌剧事业中。“歌剧是意大利的遗产,对我而言,这是最高的艺术形式。它包含各种艺术:音乐、歌唱、绘画、芭蕾、表演。它的美丽在于它的复杂性。它表现普通、实际的主题,通过唱歌和表演来传播。这不是让观众被动接受的表演,观众本身应该成为演出的一部分,因为表演就是萃取自他们的生活。

这就是为什么他选择歌剧作为事业,从事这项要求很高但有意义的工作。“我一直在旅行,远离家乡和亲人。然而,能感受到观众的热情,听到最后的掌声甚至看到一些人留下眼泪,这些回报都是无价的。我经常说,只要世界上有一个人能够被歌剧感动,地球上就会有歌剧院的存在。”

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